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先日、知人から「お前の[まろばし]が他人の名前でUpされてるぞ」という連絡を受けまして、さっそく確認したところ、ありましたよ。アクセスも1000件を超え、海外からのコメントすらついていました。ネット社会になって、知らない所で私の曲が使われていたり、コピーされていたり、様々なことがあります。まあそんな程度では別に気にもならないのですが、こういうケースは初めてでした。私一人ではとても管理できないし、とにかく何があるか判らないので、ネット上のチェックを周りに色々と頼んでいます。

今回はタイトルの横に違う人の名前が付けられていたので、さすがにびっくりしました。とにかく作曲者としてはこういう行為をほっておくわけにはいきませんよね。勿論すぐに対処しましたが、本当にネット社会では何が起こるか判りません。
他にも私の作品「花の行方」を三味線の人が勝手に三味線用に編曲して、演奏会で弾いていたという事もあったようです。私は詳しく把握していないので対処のしようがないのですが、譜面が出版されている訳ではないから、何処からコピーが流れたのでしょうね？？？。勿論演奏した本人から連絡は全くありません。著作権の意識なども微塵も無かったのでしょう。
もう一つ、私の樂琵琶と龍笛の曲「月下の笛」の、笛パートだけをコピーして、タイトルはそのまま「月下の笛」で、自分で吹いてUPしていた人が居ました。当然の如く作曲者である私の名前は明記されていませんでした。演奏家としては考えられない事です。その方は、気持ちだけはプロのつもりでいるアマチュアで、著作権という事すら何のことかまるで判っていなかったようです。こちらもすぐに対処させましたが、その曲の他にも有名音楽家の曲を自分で吹いて、作曲者名を明記せず数多くUPしていました。

現代日本人は、とにかく作曲作品や音楽に対し敬意や尊敬というものを持っていない、と私は思っています。邦楽に関して言えば、著作権以前に、音楽を演奏する意識そのものが、まだお稽古事の延長上にしかない、と私は感じています。聴くより前に偉いかどうかという「格」の部分を見て、受賞歴だの師範だの総代などという肩書で、「この人はまともだ。きちんとしている」なんてことを感じるような、そんな最低レベルの意識で凝り固まっている。そこには音楽はありません。芸術に対する純粋な尊敬も敬意も無い。音楽の前には流派も独学も無く、偉いも何もないのです。たいそうな免状持っていても、聞くに堪えないようなレベルの演奏しか出来ない人が、残念ながら邦楽界にはいくらでもいます。
他のジャンルでは皆それぞれの音楽を高らかに発信しているのに、「格」をぶら下げて舞台に上がっても、世間の人にほとんど受け入れらないのは当たり前。つまり音楽をやっている訳ではないという事です。聴衆は音楽を聴きに行っているのですがね・・・・。これでは当然著作権の意識など生まれようがありませんね。

最近は中国などに対し、パクリだのなんだのと日本人がよく言っていますが、日本人自体にも著作権意識はほとんど無いと私は思っています。あれはただ真似されたから標的にしているだけです。
ライブで誰かの作品を演奏しても、著作権の申請もしなければ、使用料も払うつもりすら無い。しかししっかり入場料を取る。挙句の果てにギャラがどうのこうの、と言い放ち、何の意識も無く楽譜をコピーして使っている。それが現代の日本の現状です。ある関係者によれば、クラシックを除く他の分野では、日本は著作権無法地帯だとのことです。

私は欧米のような著作権のあり方が良いとは決して思っていません。ショウビジネスを基本に整えられた現在の著作権法には様々な矛盾があると考えています。ネット上に出している以上、コピーもされるだろうし、研究対象にもされるでしょう。時に勝手に使われることも覚悟の上です。どんどん聞いて分析して、肥やしにして、部分をパクリながら自分のオリジナルに仕立てて結構だと思います。今までの全てのジャンルの音楽家も皆そうしてきました。
私は最初にチックコリアの若い頃のソロピアノを聴いたとき、これはドビュッシーだと即座に思いましたが、チックコリアも、ドビュッシーもそれぞれが過去の作品を参考にしながら素晴らしい音楽を創り上げた。これでいいんです。これこそ創造力だと思います。私はこうして過去の音楽を元にして新たに作られて行く事は健全だと思っています。勿論私も過去の作品を研究材料にして自分の作品の糧としています。バッハでもドビュッシーでも、素晴らしいものだったら、パクられようが何されようが、いつの世に於いてもその魅力を人が支持するものです。

しかし、そっくりそのままの形でやってしまうのは、あまりにも情けない。音楽、芸術の世界とは次元のかけ離れた人間の欲の世界の出来事ですね。残念です。

著作意識は確かにまだまだ日本には充分定着していないのが現状ではありますが、youtubeやfacebookで世界とつながり、メールですら英語でやり取りしているグローバル化した現代において、自分の感覚がそのまま世界で通用すると思う方がおかしい。世界市場に於いて、日本の常識を掲げたところで、世界に全く通用しないのは当たり前なのです。村意識にもほどがある。
「日本人は成熟していない国民」という言葉は、今までもさんざん言われ続けられましたが、この現状では未だ日本人は変化も成長もしていない、と言われても仕方がないですね。現代では、音楽家もその意識を大きく変えていかなければなりません。益々器を問われる時代となりました。

活動してゆくと色々なことに当たりますが、私は過去を勉強しながらもオリジナルで勝負しますよ。

先日東京文化会館で小ホールで行われた「中島ゆみ子と仲間たちVol.8」に行ってきました。

ヴァイオリンの中島ゆみ子さんとは一昨年、昨年と共演し、昨年は拙作をチェロを加えたトリオで一緒に演奏して頂いたのですが、ゆっくりと中島さんの演奏を、一聴衆として聴いてみたいと思っていましたので、今回はとても楽しみにしていました。今回はメンバーに、やはり一昨年共演したチェロのエリック・ウイリアムスさんも入っていて、久しぶりの邂逅となりました。
プログラムは、ヘンデル、ロッシーニ、ワィルダー、ドヴォルザーク。デュオ、カルテット、クィンテットでの演奏に加え、ワィルダーではチューバを加えた変わった編成でしたが、大変楽しめました。今回のサブタイトルは「低音楽器の魅力を求めて」で、最初はさすがにチューバと弦というのはイメージが湧かず、ちょっとびっくりしましたが、すぐに慣れてきて、アンコール曲などではジャズっぽいアンサンブルも聞けて、多彩な曲を楽しめました。

中島さん所属の「NPO法人音楽の共同作業場」アーティスト紹介より
中島さんは、ソリストとして国内外で活躍し、在京オケではコンサートミストレス、客演主席としても活躍している大変実力のある方で、共演していただける事自体が光栄なのですが、とにかくいつも穏やかで、謙虚で、笑顔な方なのです。チェロのエリックさんも同じく、お二人とも笑っている顔しか思い出せない位に朗らかなお人柄。今回もそんな中島さんの個性が十二分に満ちていた演奏でした。
すべてに無理が無く、力みも無い。高い技術に支えられ、、どこまでも自然に音楽が流れだしてゆく。これ見よがしな表現はどこにも無く、メロディーがたっぷりと歌われ、会話をするように響き合い、ハーモニーの色彩感がとても豊か。どの曲にもアンサンブルの魅力が溢れていました。こうした質の高い生演奏は芸術云々というより、もう快楽ですね。その響きに包まれ接していると、いつもとは別の空間に我が身があるような気がします。

こういう演奏を聴くと、やはり薩摩琵琶にも器楽的な分野はぜひとも欲しいと思ってしまいます。私は琵琶の分野で、多分一番器楽的な演奏をして、作品も作ってきた一人だと自負していますが、まだまだ曲が少ないと思っています。琵琶のこれまでの伝統がどうであれ、現代人は琵琶の楽器としての音色を求めている方も多いのですから、これから現代、次世代の聴衆に向けて、器楽としての琵琶楽を確立する人もどんどん出るべきだと思っています。津軽三味線も唄と切り離されたからこそ、ポピュラリティーを得た事実を観ればそれは明らかでしょう。民謡という事でなく、津軽三味線という楽器を聴きたいという聴衆が沢山居たということです。こだわりや習慣、伝統などをいかに超えてゆくか、次世代を目指してゆけるか。今、薩摩琵琶の器の大きさが問われているような気がします。

そしてもう一つ、アンサンブルもこれからの課題になってくるだろうと思います。器楽でも歌が入っていても、他の楽器と一緒にやるというのは演奏会の内容を飛躍的に広げてくれることでしょう。西洋音楽とは違う別の形、概念でのアンサンブルは、充分に可能だと思います。日本では既に雅楽をはじめ、長唄囃子や能囃子が素晴らしいアンサンブルを完成させていますが、琵琶楽に於いても、アンサンブル作品の充実は、これから大変重要だと思っています。
日本は「和を以って尊しとする」国ですから、西洋型のアンサンブルではなく、日本独自のアンサンブルがあって当然！。琵琶楽も新時代に向けて、世界レベルで発信できるアンサンブルが出来上がって行くとよいですね。

豊饒な弦の響きに包まれて、梅雨の鬱陶しい気分もさわやかに晴れました。音楽の快楽は果てしないのです。

先日久しぶりに、ギリシャ悲劇のアンティゴネーについて書かれたものを読みました。知っている人も多いと思いますが、アンティゴネーは父オイディプスとその実母の間に生まれた近親相姦による子供で、生まながらに罪を背負った存在であり、最後は王国の掟にも怯まずに自分の想いを貫徹し、処刑を言い渡されるという悲劇のヒロインです。色々と研究対象となっている存在ですが、自分の想い・欲望に対して譲歩しないその生き方は、私にとっても一つの理想です。年を追うごとにアンティゴネーの瞳が私に向いているような気がしてなりません。

アンティゴネーを賛美する人々によると、処刑を言い渡した王クレオーンのように国家や世間の掟に従うのは「善」、アンティゴネーのように人間の（欲望の）掟に従うのは「美」であると言います。
言うまでもなく社会の常識やルールなどの掟は、一定していません。封建社会や軍国の時代の「善」と、現代日本の「善」は全く違うし、国によっても勿論違う。人間が作り出す「善」は実体のない幻想ともいえるでしょう。

我々は、そんなうつろいやすい社会に所属しなければ生きてゆけない。国家だけでなく、会社・流派等、人其々で所属すると感じているものは色々でしょう。そしてその掟を守る「善」という生き方は、その社会に適応し、その時には安定したものであるかも知れませんが、常に矛盾も多く含んでいることも確か。そしてその社会にいる限り、矛盾を冷静に見極めることは難しいものです。

芸術家はずっとそんな「善」に潜む矛盾や、偏狭、偽りを常に暴く存在でした。タブーを破るのはいつの世も芸術家であり、時に革命の原動力ともなり、常識というものを塗り替えていきました。勿論、人間の欲望に従うことを「美」として、その「美」に従って生きるのは大変です。「美」を求めるには湧き上がるような情熱が必要ですが、情熱（Passion）には受難という意味も含まれるように、情熱をもって「美」を求め生きようとしても、社会は個人の身勝手というものを許さない。そう簡単には生かしてくれないのです。しかし芸術家は代償はあっても、「美」を欲してやまない人達なのではないでしょうか。

私自身、現代日本における「善」を全うし、優等生として生きるなんてことは到底出来ないですし、音楽だけは「美」に従ってやりたいと思います。生き方そのものも「美」に従えばよいのですが、まあドンジョヴァンニにはとてもなれませんし、カルメンのように「私は自由に生きて、自由に死ぬの」とはなかなかいきませんね。「美」の哲学からしたら、これが私の限界・器というものでしょう。しかしせっかく「美」を具現化する音楽というものを生業としているのですから、わざわざ他人の創り出した幻想に囚われる必要はないと思っています。及ばずともアンティゴネーのように、行けるところまで自分の思う所を突き進みたいものです。そうして生み出した私の音楽が人々にさして用のないものだったら消えてゆくでしょうし、魅力あるものだったら、人は求めてくれるでしょう。ただそれだけのこと。

音楽家にとって欲するという事は、音楽を美しいと感じる心、そういう音を自ら出したいという気持ち、それこそがその人の根本にある音楽的欲望ではないでしょうか。地位があっても、上手に弾けても、そんなものはその人の属する社会の「善」であって、そこに「美」は無い。私にはそう思えて仕方がないのです。

人は何かに所属するものや形を、いつの時代でも求めます。太古の歴史を見ても、人間は一人では生きてゆけません。社会というものを形成せざるを得ないのです。形あるものに所属することは自分に位置を与え、それを保つので、気持ちは安心します。正当、血筋、流派、学校、会社、古くは爵位等…もうキリがありません。ほかの社会の人にはどうでもいい事としか映らないものでも、そのただ中にいるかぎり、自分を保つことが出来ます。人間の抱えるこうした弱さと幻想に新たな視点を当て、それらを暴き出すのも、芸術の仕事ではないでしょうか。人間はつくづく精神的な生き物だと思いますね。

アンティゴネーの瞳からは、未だにそのゆるぎない意志と「美」が放たれていて、私はその法雨のような眼差しを感じずにはいられないのです。

先日、いつもお世話になっている石田一志先生の芸術選奨受賞記念のパーティーが東京三田倶楽部であり、お祝いしてきました。

先生が昨年出したこの「シェーンベルクの旅路」が受賞したのですが、かなりの大作で、私は未だ全部読み切れてません。凄い本です。ぜひ海外でも翻訳して出すべきだ、という声も聞かれ、シェーンベルク研究の本として、歴史に残る作品となると思います。ご興味のある方は挑戦してみて下さい。
シェーンベルクは、1874年（明治7年）の生まれ。日本では西幸吉によって薩摩琵琶が東京に紹介され広まっていった頃と重なります。ドビュッシーの「牧神の午後への前奏曲」が1894年（明治27年）、1912年（明治45年）にはシェーンベルクの「月に憑かれたピエロ」が出来ていますので、西洋の現代音楽と日本の薩摩琵琶が、奇しくも同じ時代に花開いたのです。

私はこの時代の芸術的エネルギーの興隆にとても興味があって、判らないながらもシェーンベルクには大変に惹かれるのです。現代への扉はドビュッシーやラベルによって見いだされ、シェーンベルク、バルトークが開いていったのです。永田錦心はシェーンベルクのひとまわり下の生まれですから、この時期には世界的に、次の時代を作る新しいリーダーが次々と誕生していたのですね。今の私達にはピンときませんが、薩摩琵琶は当時、新時代のシンボルであったのかもしれませんね。

日本では音楽学や評論という分野がとても遅れています。「日本人は感情面が先に来て、論理を持って議論が出来ない」とよく言われますが、何か書けば誹謗中傷などと取られ、それゆえ日本の音楽雑誌などでは感想文ような評論もどきが溢れてしまうのです。世界視野でみると何とも情けない。
音楽学は芸術音楽をやってゆく上で一番に大切な部分なのです。事実の上に立ってしっかりとした史観を持ち、過去の事例を分析研究してゆくことは、芸術だけでなく学問全体として、そして国家としても大切なことだと思うのですが、現代日本人は音楽でも何でも、個人的な感覚でしか捉えようとしない。「いいものはいい」などと言って個人の感覚レベルで話を終えて、何故それがいいと思うのか、その根源にある歴史的背景や、それらに育まれた感性、民族性という所を探求しようとしない。やはり日本には芸術という概念は根付かないのでしょうか。それとも単に成熟していない民族ということなのでしょうか。

そんな中、石田先生はかなり真摯に、そして時に辛辣に評論を書きます。その評論で方向転換をしてゆく人もいるほどに、確固たる信念と理論を持って書くのです。私はそういう先生の姿勢が好きです。また学者の中には、専門以外はろくに知らないとい方も結構多いのですが、石田先生は大変幅広い範囲の知識を持っていて、前作「モダニズム変奏曲」では、アジアの近現代の流れを大きな視野で捉えています。また琵琶についても大変詳しい。この豊富な知識と、それらをまとめ上げる知性。評価されて当然ですね。だからこそ一緒にお酒を頂きながら話をしていても実に面白い。話が尽きることがないという訳なんです。

真中が石田先生。私も後ろの方に入れさせてもらいました。この日はお祝いに駆け付けた方がとても多かったので、分野別に分けて写真を撮っていました。この写真は演奏家の方々のグループです。

私ならこれだけの大仕事の後は、すぐ一休みとなるところですが、先生はそこで止まらない。淡々としながらも色々な企画を考え、進めている。賞は結果として頂いているものであって、それらに寄りかかってなどいないという事です。勿論人に対しても肩書きで判断などしない。以前、世界的なバレエダンサーK川さんも、キャリアや受賞歴は一切見ないし関係ない、舞台の実力のみで判断する、と言いきっていましたが、これは世界レベルで生きている人には当たり前の事なんです。邦楽界にも世界を視野に入れた、レベルも志も高い人物がどんどん出てきて欲しいですね。

この日は私が知らないだけで、色々な方々が見えていたようですが、私の演奏はどんなふうに聞こえたんでしょうね？？。

仕事が評価されるのはとにかく喜ばしいこと。先生にはこれからまだまだ、ひと仕事もふた仕事も期待しております。
この日は色々な先輩方々と話をさせてもらって、改めて「もっと色々なことを勉強しなくちゃ」と思った一日でもありました。

ＰＳ：来月には日本アルバンベルク協会主催による、石田先生の講演もあるようですから、ご興味のある方は問い合わせてみてください。

パリオペラ座Live viewing「カルメン」を観てきました。

「カルメン」はMetでもついこの間エリーナ・ガランチャの主演で見てきたばかりですが、今回はまた一味違った演出でとても楽しめました。やっぱりエンタテイメントの国アメリカと、エスプリの国フランスではずいぶんと違います。先ず上の写真を見てください。真中が主役のカルメン。どう見てもマリリンモンローですよね。アメリカ人の発想では、こういうのは逆にあり得無いのではないかと思いました。

　　　　　　　
舞台セットもとてもシンプルでした。色々な演出で楽しませてくれるMetスタイルも素敵ですが、これはこれでいい感じです。根本的に魅せるという感覚が違うのでしょうね。
そして今回はオーケストラが素晴らしかった。出だしからちょっとテンポが遅めだったのですが、けっして重たくならないし、弦、管共に音がしっかりブレンドされていて、まとまりが良く、メロディーがしっかりと聞こえてくる。演者のセリフなんかにもきちっとと対応していて、フランス人によるフランスオペラのレベルの高さを見せつけられました。

指揮はフィリップ・ジョルダン、演出はイヴ・ボネーヌ
カルメン：　アンア・カテリーナ・アントナッチ
ドン・ホセ：　ニコライ・シューコフ
ミカエラ：　ゲニア・キューマイヤー
エスカミーリョ：　リュドヴィック・テジエ

後に残った印象では、キューマイヤーのミカエラがとてもいい感じでした。見終わった後にその存在感を残すというのは凄いことです。テジエのエスカミーリョも最初出てきた時は、その衣装にドン引きでしたが、実に深い声で存在感がありました。フランスではベテラン中のベテランだそうですが、ぴったりの役だったと思います。全体にアメリカ流の煌めくようなスターはいなかったですが、こういう演出は余計なものが無く、イメージがかえって自由になり、内容が良く見えてきますね。

今回はカルメンやホセの描き方がとてもよかったと思います。カルメンがただの奔放な女性というのでなく、葛藤する姿ひとつとっても、リアルな女性像が出ていました。最後のホセに殺されるシーンは、ナイフで刺されるのが一般的ですが、ホセが持参したウエディングドレスのようなもので首を絞められるようになっていて、ホセの暗く深い狂気のような部分も感じられたし、カルメンもそれに抵抗せず、殺されることに身を任せるように、死に場所を求めていたかのような雰囲気がリアルで自然でした。

また二人のやり取りの場面など、フランスオペラ特有のコミカルな感じ（オペラ・コミークというそうです）も楽しめて、そういう部分のオケとのタイミングも見事に合っていました。オペラは歌がもちろんその中心ですが、演技もポイントの一つですね。

カルメンのようにどこの劇場でもさんざんやりつくされているような演目でも、毎回何かしらのアイデアを盛り込み、創造性を漲らせて取り組んでいくから面白いのです。日本の邦楽はどうでしょうか。「今回の舞台はどんな趣向でやるんだろう」なんてわくわくしながら待つという事をほとんど経験したことがありません。ＣＤでも「次はどんな形で期待を裏切ってくれるんだろう」なんて思わせてくれるアーティストは、邦楽ではなかなか居ないですね。

いつも同じでは聞いている方はやはり飽きてしまいます。そういう人をアーティストとは呼べません。くめども尽きぬ魅力には、ただ練れた芸だけではだめなのです。同じ演目であっても常に豊かな創造力で、毎回新鮮な気持ちで取り組むような姿勢が必要です。お見事を目指しているようでは、聴衆はついてきません。そしてもちろんどんどん新作が出来ていかなければ、せっかくの古典作品も淀んでしまいます。
常に追求し、創造し、魅せることの出来る、そんな邦楽人がもっともっと出てきて欲しいものです。

さあ、次の舞台が待っています。