先日、新しくなった歌舞伎座に行ってきました。演目は「狐狸狐狸ばなし」と「棒しばり」。日本伝統の芸をたっぷりと堪能堪能堪能してきました。
歌舞伎は徹頭徹尾、大衆芸能に徹していて、その上芸のレベルがすこぶる高い！私は歌舞伎通でも何でもないですが、今回観た中では七之助さんの躍進ぶりがいいなと思いました。以前「籠釣瓶花街酔醒」を観た時には、玉三郎さんが主役という事もありましたが、まだ線が細いという感じでした。しかし今回は七ノ助さんが主役。「おきわ」の堂々たる姿は良かった。体つきもちょっと変わってきたようで、見事な女っぷりでした。
今後が楽しみですね。そして「棒しばり」では勘九郎さんと三津五郎さんの華やかな舞踊に大満足。どれだけ稽古しているんでしょうね。息がぴたりと合っている。見事としか言いようのない演舞でした。凄いな～～。
こうした芸が確実に江戸時代から途絶えることなく継承されて、しかもどんどん発展し、新作も作られている、その創造と継承がバランスよく保たれている状態が、とにかく素晴らしいですね。スターも数多くいるし、勿論連日お客さんは満杯。これだけお客様に支えられているという事は、幅広い魅力に溢れているという事です。歌舞伎はこれからもどんどんと発展してゆく事でしょう。本当に学ぶべきものが沢山ありました。
甘樫の丘このところ「過去をしっかりと見つめないことは、未来も見ていないという事に等しい」という言葉がよく聞かれます。私も戦争云々という事だけでなく、長い歴史を持つ日本の軌跡をしっかりと見つめたいと思います。我々はともすると「嫌なことは忘れて、明日に向かって頑張ろう」という事になってしまいがちですが、未来を拓くには過去をしっかりと見つめないといけないと思っています。良い事も、悪いことも、嫌なことも見つめなくてはいけません。以前、チェリストの堤剛さんも「しっかりとした歴史認識が必要だ」と某邦楽雑誌に書いていましたが、これは現代人にとってとても大切なことであり、邦楽人には更に大切な事だと思います。歌舞伎はこの点がしっかりとなされているように見えました。
現在伝統芸能だと思われているものは、いつも書いている薩摩琵琶同様、明治以降に出来上がったものが多いのです。中には昭和、それも戦後から始まったものも少なくありません。新しいものは大歓迎ですが、少なくとも演者は、はっきりと何時作られたものか明示して舞台にかけるべきでしょう。個人の想いは別として、この辺りをあやふやにして、古典のようなふりをしていては、聴衆に対し申し訳ない。余計な衣を付けて誇大宣伝しても、内容が全てを語っています。聴衆をなめてはいけない。過去にも現在にも未来にも、しっかりと眼差しを向けていたいものです。
歌舞伎を観ていると、過去を受け継ごうという古典への眼差しと共に、貪欲なまでに現代の色々なものを取り込み、新たな舞台を生み出そうという意欲、視野の広さ、器の大きさ、つまり現代と未来へのパワフルなまでの眼差しを感じます。「これでなくては」「これは違う」などという村社会じみた視野の狭さが無い。この辺が現代人にもしっかりと支持されている所以ではないでしょうか。
そして琵琶と歌舞伎の一番の違いは、食べて行けるかどうかという事かもしれません。素晴らしい芸を身につければ、ちゃんと食べてゆけるようなシステム作りを琵琶界・邦楽界は怠ってしまった。食べていけるのなら、人生をかけて芸を磨こうという人達も出て来るし、安心して打ち込める。関わっている人に誇りも生まれる。だからこそ確実な伝承がなされ、新しい創作も盛んになり、レベルも上がり、聴衆もついて来る。
実際に、歌舞伎や長唄には若手の男性がどんどん入ってきています。裏方だろうが、脇役だろうが、囃子だろうが、皆がそれなりにその道で生計を立てている。素晴らしい事ですね。琵琶とは全く状況が違うのです。
働く必要のない人が好きなようにやっているような音楽が衰退するのは、誰が見ても明らかでしょう。魅力に溢れ、命ある音楽・舞台を作るには、芸だけを見ているオタクの視点ではどうにもならないのです。舞台のスタートラインにすら立てない。技術は勿論、時代を見抜く感性、収入やそれを得るためのシステムも大事なのです。
歌舞伎の舞台からは多くの想いが広がりました。
この間書いた、「美と罠」の記事は色々と反応があり、とても良い話を聞けました。皆さん芸術に対する想いの深い方ばかりで嬉しいですね。いつでもみんなが集まって、語り合えるれるサロンみたいな場所がぜひ欲しいですね。
映画「ベニスに死す」ご存知でしょうか。老作曲家アッシェンバッハが美少年タッジオに想いを寄せ、最後は狂気の世界を彷徨い死に至る、凄まじくも美しい映画でした。トマスマンの原作では作家でしたが、監督のヴィスコンティは主人公をマーラーのような人物として置き換えて(風貌がそっくりで同性愛者でもあり、実際にベニスで客死したディアギレフという説もある）、マーラーと親交のあったシェーンベルクと思しき人物(アルフレッド）も登場させて、二人で美学論争する場面も出てきます。映画については色々な評論があると思いますが、徹底的に美というものについて描き、美の持っている側面とその狂気、そして罠をまざまざと表した作品でした。
アッシェンバッハの姿は、外側から見れば、気がふれた孤独な男のように見えるかもしれませんが、美を求め、美の虜になってしまった人間にとっては、恍惚の中を彷徨い、身を捧げ、醜い姿に変り果て死に向かいながらも、美の放つまばゆい光に包まれている至福の時なのでしょう。まさに美の罠であり、逃れられない魅力と言えましょう。
ちなみにあの映画でバックに流れていたのが、マーラーの作品。交響曲第5番のアダージェットは印象的でした。この曲を聴くと、確かに途端に全身が現世を離れて行きそうな感覚に襲われます。官能と熱情、劣情、越境、陶酔、破滅・・・。その先の世界の妖しい魅力に獲りつかれて、なかなか現世に戻ってこれません。全てを捨てて、美に身も心も捧げ、現世を超えて異界へと歩みを進めることは、私にとって一つの理想、究極の至福でもあります。
クリムトや、エゴンシーレ、ベックリンの絵などもそうですが、美の裏側には狂気があり、醜もあるものです。これがただ表面の美しいだけのものだったら、私たちに直接訴えかけてはきません。何故ならば、この世を生きる私たちは皆、美を望みながらも、醜の部分を抱え、憎しみを感じ、狂気をはらみ、死と共に生きているのですから・・。
これらはエロス（生の本能）とタナトス（死へと向かう本能）と言っても良いかもしれませんが、人間はエロスとタナトスを切り離しては存在する事が出来ない以上、人間の究極を描く美の世界には不可欠なのです。だから皆人々に長く愛されるものには、源氏物語や平家物語のようにエロスとタナトスを色濃くはらんでいるものが多いのです。
どういうものがあっても良いし、その時代にあったという事は何かしら求められたからだと思いますが、一時期の琵琶唄のように、いくら武士道だの何だのと云っても、愛を語れない音楽はやはり弱い。イデオロギーを振りかざしても、大層な哲学を歌っても、愛の無い所に人間は存在しないし、愛を語れない音楽に魅力を感じろと言われても、それは難しい。明治以降に成立した薩摩や筑前が古典となって行くためには、エロスもタナトスも愛も内包し語ってゆけるかどうか、その辺が鍵ですね。
平家物語をお稽古した通り、きっちりと出来たからといって、魅力が出る訳でも何でもないのは皆様よくお判りかと思います。そこに描かれるドラマにどれだけの美を感じているか。死も憎しみも、狂気をも含む美を何処に見ているのか、その曲の何を持って美を描こうとしているのか、そういう視線や意識、感性が無ければ、いくら歌が旨くても、琵琶が上手に弾けても、肩書き並べて偉い偉いと飾りたてても、人の心には届かない。
死するからこそ、永遠の美少年として記憶される敦盛。一夜の契りを胸に秘め、孤独に生きようとする千手etc.・・・・。そして権力闘争をやめることのない人間の醜悪な姿。それらを描きながら、「波の下にも都の候ぞ」と言いつつ入水してゆく二位の尼と安徳天皇の姿は、ただの哀れでしょうか。それだけではなく、私には平家が築こうとした永遠の理想郷＝美の世界へ、死と共に進んで行こうとする、狂気の姿の象徴のようにも思えます。
こういう美の世界は、仏教に於いては個人的なエゴであり、二乗といわれる声聞縁覚の徒でしかないと切り捨てられそうですが、この赤き血の通う身の内に、美とその狂気を持たずして何を語る事が出来るのか。美に身も心も捧げられぬ人間が、何を語るのか！美の罠にはまることを厭わない、肉体を超えた熱狂なくして、どうして音楽が流れ出るのか！「音楽は祈りと叫びである」のです。
「ベニスに死す」のラストシーン、海で太陽を指さすタッジオは、美しさや若さ、永遠という象徴の如くに見えますが、そのタッジオを見つめながら息絶えるアッシェンバッハには、老いと終末のイメージが見えます。その対比は惨い。しかし醜い姿となって息絶えた老作曲家の心は、どうだったのでしょうか。その心には美が満ち溢れ、至福の光に包まれていたのだと、私には思えてなりません。美こそは心の中で見るものなのですから・・・。
パリオペラ座Live viewingバレエ「マーラー第3番」を観てきました。振付はジョン・ノイマイヤー。かなり見ごたえのある充実した作品でした。
私は琵琶で活動を始めてから、毎年ダンスの舞台になぜか縁があり、お仕事させてもらっています。今月もバレエの雑賀淑子先生、日舞の花柳面先生と御一緒する公演を控えているのですが、海外の本格的なバレエ公演はあまり見たことが無かったので、今回は期待していきました。
見ていて、人間とはかくも美しいものか、という想いが湧きあがってきました。パリオペラ座のエトワール(プリマ・バレリーナ）が総出演ですから、勿論なのですが、出演者全員の体が、それはそれは見事な肉体で、その体が滑らかで、淀みなく線を描くように動くのです。男性女性ともその姿に美を感じずにはいられませんでしたね。今思い返しても本当に夢の中に居るようでした。
バレエは元々フランスが発祥だったそうで、それがロシアにクラシックスタイルのお株を取られて、今ではフランスはモダンに活路を見出しているという状況だそうですが、かえってそれが良い形になったのではないかと思いました。
ジョン・ノイマイヤーの振り付けは、従来のバレエを土台にしてはいるけれど、保守に陥らず、挑戦的。斬新さも随所にあり、群舞もとても新鮮で、そこに見える世界、感じる情景にこちらの頭の中が包まれて行きました。セットは何もなしで、演出はただ照明だけです。ハイレベルという所を突き抜けて、「感じさせる」「魅せる」「惹きつける」舞台でしたね。
マーラーの交響曲は色々なモチーフが次々に現れては消えてゆく、正に混沌がそのまま音になったような音楽で、人によっては夢の世界の具現化という人もいる位ですので、追っかけて聴いていると訳わからなくなってくるのですが、バレエと一緒だと違和感なく入ってくるのが不思議でした。作曲をやる者としては、音楽の複雑な構成や理論面に興味が行ってしまうものですが、もっと全体を風のように感じ、夢の中に身をゆだねるようにして聴けば、マーラーの音楽もこちらに響いてくるのかもしれません。バレエを見ながら、マーラーの音楽に対する認識も変わりました。
一流の舞台は本当に観ていて幸せになります。同時に、その美の世界に獲りつかれ、現実を超えようとしている自分に気づく瞬間でもあります。
私がダンスと一緒にやる時、いつも気を付けるのは「共演をしているか」という事です。単なる伴奏では舞台の魅力は出てきません。主従の関係になってしまうと生演奏をする意味が無くなってしまいます。私は手妻でもダンスでも、全て私自身が作曲しますので、作品としては確かに自分のものですが、自分の発想の範囲でしかその音楽が鳴らないのは完全な失敗です。私が作った曲が、私の発想を大きく上回り、新しい命となって鳴り響かなければ、共演する意味は無いでしょう。音楽と踊りが常に寄り添いあいながら、このコンビネーションでなければ立ち現れることが出来ない、その瞬間の美と姿が舞台に無くてはならないのです。そこに美しさがあるか。個という存在の時には見えなかった、触発された美がそこにあるのか。私にはそこが重要なのです。
日常や現実を「超えた」夢のような美の世界を実現させるためには、先ずは圧倒的な技量が必要です。技量の支えが無ければ具現化が出来ません。自分の発想を超えるような世界の具現化には、生半可な技量では太刀打ちできないのです。
テクニックは表現の為にある一つの要素ですので、表現する世界、それを支える感性、哲学があってはじめて音となります。それらが無ければテクニックや知識は感性を妨げ、逆にマイナスに働くことが多いです。だから芸術家は、自分の世界を明確に具体化するために、日々感性も技量も磨き、求め続け、共演する人とはお互いの世界をぶつけあって、それが粉々に砕け散っても尚、再構築して投げ込んでゆく程に切磋琢磨しているのです。決して小さな所に閉じこもっていない。そうやって舞台は作られてゆくのです。
そして舞台に美が生まれるのです。芸術家は美に獲りつかれている位でなければ、舞台で自分の描く世界の具現化は出来ません。ノイマイヤーの振り付けも、美に人生を捧げ、マーラーに相対したからこそ、あれだけのものが出来上がったと思います。もしマーラーの音楽に合わせて振付していたら、あの美は実現しなかったでしょう。美は、確かに夢の世界のようではありますが、その裏側には麻薬のようなあやうさ、妖しさもあるものです。良いか悪いか私には判りませんが、美に獲りつかれ、壁を越えて異界へと足を踏み入れて、現実社会から逸脱してしまった人々に、私は何か憧れのようなものを感じ、そして愛おしく思います。
ボーダーを超えた美の世界は、その妖しさと毒性ゆえに観ているものを魅了するのでしょう。これについてはまた書くことにしましょう。
「夢は狂気をはらむ。その毒もかくしてはならない。美しすぎるものへの憧れは、人生の罠でもある。美に傾く代償は少なくない」宮崎駿
皆さんも美の放つ罠にはまってみませんか。
舞台「誓い～奇跡のシンガー」の事件は皆さんご存知だと思います。事件そのものについては色々なことが言われておりますし、原作者のブログも大変話題になっていますが、事件そのものよりも、著作権や文化、芸術というものを現代日本人がどう感じているかが、こういう事件から伺えます。
日本では著作権というものが、本当にないがしろにされてきました。はっきり言って日本の常識は世界の非常識と言えるでしょう。世の中がグローバル社会になって行っても、こういう意識だけは変わりませんね。ダンス系の会など以前は無法地帯で、有名な踊り手の方でも、何の罪の意識も無く勝手に音楽を使っていたものです。私のCDも、連絡一つ無く使われていることがよくありました。最近でも時々あります。結局日本人全体に、作曲家や作品に対する尊敬も無ければ、敬意のかけらも無いのです。少しずつ良くなっては来ていますが、まだまだその意識は低いですね。
美術でも音楽でも、ものを生み出すという事がどういう事か、まだまだ認識されていません。社会全体が作品を商品としてしか見ておらず、そこには芸術も文化も無く、ビジネスしかないのです。芸術など特になくてもいいというような意識がまだまだ蔓延っている。残念ながらこれが今の日本の姿です。
何よりも著作物や作者への敬意があって、そこから展開してゆけば、こういう事件は無いはずです。
余談ですが、私のこの二つのCDは無断使用の頻度が高いみたいです。
今回の事件のような当事者たちは今後、文化芸術に対し敬意を払うようになるだろうか。やり手プロデューサーとしてヒットを飛ばし、業界で息巻いていることしか考えていないような人が、芸術や文化の重要性と素晴らしさに目覚め、敬意と尊敬を持って接し、自らのしてきたことを反省するだろうか？？？私は無いと思います。
事情も何も熟知している者が勝手に著作物を利用・悪用する事は、れっきとした芸術に対するモラル違反。何らかの重いペナルティーを今後科
すべきでしょう。
ただ、私はがんじがらめに権利意識を持つことは良くないとも思っています。ネット上に写真でも音源でも出していれば、それはもうある程度利用されるのは覚悟の上でないと出すことは出来ません。舞台に立つこと自体がすでに、覚悟が無ければ自分の姿は晒せません。写真はどこでも撮られるし、勝手なこともどんどん書かれ、言われる。舞台人とはそういう存在です。だからプロはそれらを想定して、守るべきものを守る術をしっかり持っていなくてはいけないのです。
現在、邦楽に於いて著作権はあってないようなものです。お稽古したものなら著作権など関係なくどんどん舞台でやっていいと思っている人がいかに多いか。大変残念ですが、世の中から見たらあり得ない状況です。譜面は勝手にコピーするは、連絡も無く勝手に演奏するは、もう著作権という意識すら無いかのようです。
また演奏会に対する意識もほとんど出来ていないのだと思います。おさらい会もライブも、自分主催の演奏会も全部一緒くたで、区別なく演奏しているその意識自体が問題だと思います。
演奏会はあくまで自分の音楽を主張し、披露する場。その創造性や哲学を音楽で具現化するのが目的です。古典作品をやるのであっても、自分の哲学に乗っ取った解釈や、想いや、研究を自分の音楽として聴いていただく場が演奏会です。流派の肩書きをぶら下げて「お上手」を披露するのはあくまでアマチュア世界の事。おさらい会と同じです。プロはそんなことはしない。自分の音楽を聴いていただくのがプロです。だから著作権にも著作隣接権にもしっかり意識を持たないといけないのです。プロの世界とアマチュアのお稽古事を混同してはいけない！。
美術でも文学でも、他の音楽ジャンルでも、こんなことをまだやっているのは邦楽だけです。著作権意識一つとっても、このグローバルな時代に未だこんな状態では、どんどん孤立して滅びるしかないと思うのは私だけでしょうか？？。心ある有志、若手がどんどんと出てきて、邦楽界をお稽古事の世界から、芸術音楽を発信する世界へと導いて欲しい。私も微力ながら頑張りたいと思います。
著作権は登録していなければ勝手に使ってよいというものではありません。人権と同じく、作った人にそのまま付随する
ものです。著作権協会はそれを管理し、その管理を作者が頼んでいる、に過ぎないのです。こういう根本を間違えてはいけない。そして作る側ももっと作者としての矜持を持って生きるべきだと思います。私もとある団体に管理をお願いしていますが、たとえしていなくても、作曲者や作品に対しては、尊敬、敬意をもって接するのが文化国家としての、文化国家に生きる者としての良識というものです。こういう事が定着していない国には成熟も知性も無いに等しい。文化があってこその国家なのです。
それだけ、「創り出す」、「生み出す」という行為は神聖なものだと、私は思っています。皆様はどう思いますか。
先日、新宿のエルフラメンコにて、ダニエルトーレスの舞台を観てきました。
ダニエルトーレスの舞台はかなり作りこんでいて、どの場面でも魅せる魅せる！。クリスティーナオヨスの舞踊団で鍛えたそのダンス(フラメンコではバイレと言います）は古典を踏まえながらもモダン。凄いハイレベルでした。リズムの決まりっぷりといったら、もう！気持ち良い程にビシビシっとこちらの体が震えるほど！！。男性のフラメンコダンサーで、これほどの踊りを観たのはマノレテ以来久しぶりです。ホアキンコルテスを映像で観た時も強烈なものを感じましたが、今日は久しぶりにやられました。
女性の踊り手はラケルヴィジュカスとロサゴンザーレスベルモンテ。ギタリストはニーニョマニエルとルーカスという布陣。とにかく皆さん凄い凄い凄い！
血湧き肉躍り、まさに民族の血が沸騰していましたね。フラメンコは常に進化していて、ギターだけ見ても30年前とは桁が違います。パコデルシアが出て以降、そのレベルは格段に上がり、現代ではトマティート、ビセンテアミーゴ等凄腕のギタリストがフラメンコ界をどんどん飛び出して活動しています。パコが70年代80年代にアルディメオラ、ジョンマクラフリン、チックコリアというジャズ界のトップ達に一歩も引けを取らない技量と魅力を世界に示したことで、フラメンコ全体の底上げをしたと言ってよいでしょう。和音の使い方も更にモダンになって来ています。
考えてみれば、フラメンコは、ずっと民族の音楽として受け継がれ、発展し、今に伝えられている。途切れていないのです。それに比べて邦楽は明治で一つの断絶があり、また第二次大戦以降も再び断絶があって、今や日本人でもろくに聞いたことがないという程に社会と隔絶している。この差は実に大きいですね。
例えば、食事は生活に直結しているから、カレーだろうがスパゲッティだろうが、意識もしていない
内に和風化してしまう。同じようにフラメンコの踊り手は、何をやっても、どうしてもフラメンコになってしまう位、もう自分の血肉になっているのです。そう思うと、現在の邦楽の現状は悲しいばかりですね。
過去から続く邦楽の下地というものがほとんど無い現代日本人にとって、自国の音楽とは歌謡曲、演歌、Jポップというところでしょうか。それもまぎれもない今の日本の音楽ですが、完全とは言わないまでも、ほとんど伝統や歴史とは断絶、遮断されてしまっているのが現状です。そこには平家物語も源氏物語もないのですから・・・・。
ただ今後の日本音楽に希望が無い訳ではありません。伝統音楽は現代の社会に根付いてはいないし、薩摩琵琶にも明確な古典曲は残っていませんが、形式は無くなっても、「うた」はまだ死に絶えていない。歌や語りというものは、今後の日本音楽にとっても、姿形を変え、大きな要素として受け継がれるのではないかと思っています。私はそうした古来からの日本音楽を踏まえた上で、あえてそこから離れてゆくことも含めて、モダンスタイルを作ろうと思っています。
日本がこれまで歩んで来た道は、今更変えようがありません。フラメンコのように綿々とつながる音楽が我々に無くとも、独自の感性は確かに持っている。だったら永田錦心のようにどんどん新時代の日本音楽を創って行くべきではないでしょうか。
音楽を取り巻く状況は様々です。フラメンコでも、70年代まではフランコ政権があった為、今とはずいぶん状況が違いました。問題は今、我々がどう自国の音楽・文化に向き合っているか、そして次世代に対しどんな視線を投げかけているか、そこが一番の問題です。二度に渡って文化的断絶のあった日本に於いて、邦楽というものが生活の中に全く無くなってしまったこの現状に於いて、邦楽に携わる我々の為すべき仕事は何なのでしょうか。
フラメンコを観ながら、自分の行くべき道も見えてきました。
もう一度観てみたい！！
