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先日、Viの田澤明子さんとPの相馬泉美さんのデュオによるサロンコンサートに行ってきました。

場所は渋谷のラトリエby APCという所。小さなサロンでしたので、じっくりと目の前で堪能出来ました。とにかく素晴らしいの一言。田澤さんはクラシックファンなら知っている人も多いと思いますが、素晴らしい実績を重ねて来ただけあって、演奏に迷いが無く、けれんも無く、豊かな音楽が鳴り響いていました。このクオリティーをま近で聴けるというのは本当に幸せです。

曲はヴェートーベン、ブラームス、ドヴォルザーク、チャイコフスキー等でしたが、ちょっと定番ものよりも通好みの選曲でした。あそこまで弾きこなすには、どれだけの修練を重ねてきたんだろう？？と、聞きながらそのレベルの高さに驚くやら、感心するやら、ドキドキしながら聞いていました。特に最後のチャイコフスキーの「メロディ」「ワルツ・スケルツォ」では、絃が直接語りかけてくるような、歌いだすような、滅多に味わえない類い稀な空間がそこにはありました。

津村禮次郎師　戯曲公演「良寛」にて

何か突き抜けるには、それなりのレベルが必要ですね。単なる技術というものよりも、想いの深さとでも言いましょうか・・・。ジョンレノンもボブディランもジミヘンも皆そうだったと思います。頑張っているだけでは、まだまだレールの延長線上に居て、本来の自分は表に出て来ない。既にある価値観ではなく、そこを乗り越えて次の世界へ、自分の世界へ進まなければ、本当の意味での音楽は鳴り響かないのではないか、最近そんなことをつらつらと考えてきましたが、田澤さんの演奏を聴いて、何かピンと来るものを感じました。きっと田澤さんは壮絶な修練を小さな頃からやってきたのでしょう。更に様々な人生経験も経て、今またチャイコフスキーに向き合った。だからこその演奏だったと思います。今年聞いた、灰野さんや中島由紀さんと同じく、音楽が自分の人生そのものになっている。素晴らしいですね。

私は壮絶な修練を経てきた人生でもないし、竹山のようなどん底から這い上がるような経験もしてきていない。まあせいぜい高円寺のアパートでくだ巻いていた程度の事。毎日悶々と己のやる事を見つめ、何にも振り回されず、自分らしくあろうと思いながら現実にへばりついて生きているだけ。残念ながら人の真似は出来ないし、優等生にも成れない。この自分というものを受け入れて行くしか私の人生は全う出来ないのです。
田澤さんや、先日のストリングラフィーの素晴らしい音楽に触れて、あらためて自分のやる事をもっとポジティブにやろうと思いました。頑張るという事でなく、もっと素直に自分の行くべき所を歩んで行こうということです。また自分の出来る事と出来ない事があるということも、今までずっと思っていましたが、あらためて思いました。彼らのようには出来ない、でも私にも私にしか出来ない事がある。それをやろう。こんな思いが自分の中に満ちて来ました。

過去の作品であろうが、自分のオリジナルであろうが、演奏するのは今生きている自分以外に無いのです。たとえスコアがあっても、自分という存在がそこに介在する以上、自分の肉体を通して出て来るものは自分の命の一部となって初めて音楽としての命が響きだす。その時に余計なものが付いていたら、自分の音楽として鳴り響かない。化粧も派手な衣装も肩書きもキャリアも何にも要らない。何者にも囚われる事無く、何処までも自分自身でなくては音楽は呼応しないのです。音楽の前には何処までも私自身のありのままの姿であり続けたい。

良い音楽を聴かせて頂きました。

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先日、かねてから話に聞いていたストリングラフィ・アンサンブルの演奏を聴いて来ました。

公演チラシより

絹糸に紙コップを取り付けただけのシンプルな楽器なのですが、これが実に多彩な表現をするのですよ。音楽的なクオリティーはかなり高いです。簡単に言うと糸電話と同じなんですが、擦ったりはじいたりして、音色音程リズム表情etc.本当にヴァイオリンやチェロと同じなんです。朗々と歌うかと思えば、パーカッシブなリズムも出すし、和音も自在。聞きながら色々な可能性を想いました。

公演チラシより
この楽器を発明したのが水嶋一江さん。水嶋さんは作曲家なので、全体に曲が良く出来ていてアレンジも面白い。この日は最初にミニマムっぽい水嶋さんの現代作品をやってくれたのですが、演奏時のパーフォーマンス性もあるし、色々と可能性を感じました。またアンサンブルがピタッと決まっていてリズム感もいい感じ。相当練習しているな、と思っていたら、1日8時間位やっているそうです。頭が下がりますね。この情熱が琵琶の世界にも溢れているといいですね。水嶋さん以下メンバーが生き生きと演奏している姿がスカッとしていて気持ち良かったです！！。皆さんそれでいて本当に謙虚で、とても好感が持てました。
この日はスタジオでのライブで、外国の方もいらしていたので、比較的ポピュラーな選曲でしたが、英語でのレクチャーも充分こなせるし、この楽器の表現力と高いアンサンブルの力があれば、凄い音楽が作れそうな気がしました。新しい楽器ですので、認知されるためにもポピュラリティーはとても大事な事だと思いますが、是非芸術音楽の分野でも存在を示して行って欲しいと思います。この日演奏してくれた水嶋さんの作曲作品もなかなかのレベルだと思いました。

皆さんも是非一度体験してみてください。気軽なスタジオライブは毎月やっているようですし、8月には全労災ホール・スペースゼロにて大きな演奏会を開くそうです。

STRINGRAPHY HP   http://www.stringraphy.com/index_j.html

作曲やプロデュースの面で色々と考えるべき部分も多く大変だと思いますが、是非この志を貫いていってほしいと思います。こうした問題は琵琶のような伝統楽器も同じく抱えていると思います。現在の状況を見れば、過去に胡坐をかいて予定調和なことしかやらなくなったから、衰退したのは明らか。もはやどこへ行っても「珍しい」存在でしかない琵琶は、ストリングラフィーと同じく、今後の作曲や活動のやり方を、つまりは器を問われていると思います。
常に時代と共に「創造」して行かなければ、いくら歴史がある楽器といえども世の中に響き渡りません。音楽はどこまでも生ものなのです。常に時代と共に在ってこそ音楽。琵琶もストリングラフィーも、同じ土俵に立っていると思いました。

新しいものを世に問うには、人を納得させるだけのものが必要です。旧来の価値観で上手云々というよりも、新しい価値観を感じさせてくれるようなものに人々は惹かれます。でなくては時代は動かないのです。永田錦心やジョンレノンのように、旧来の価値観での上手い下手を超えた、新たな価値観やクオリティーが必要なのです。それが新しい時代を創るのです。

やっぱり絃は良いな～。情感が溢れているし、表現がダイレクトに伝わってくる。私が薩摩琵琶に出会って気に入ったのは、音が伸びることです。ギターはディストーションをかけないと音は伸びませんが、私の琵琶はサワリを長く調整していることもあって、そのままでディストーションがかかっているような音が出る。ヴァイオリンのようにはいきませんが、和音も出るし，パーカッシブな表現も出来るし・・・、ストリングラフィーの多彩な表現を聞いていたら、かえって琵琶の音色を再認識しました。樂琵琶はまた違った意味で魅力的なのですが、とにかく絃が歌うというのは表現者として嬉しいのです。
ストリングラフィーには大きな可能性があると感じました。それに絹糸の響きにはどこか人を惹きつけるものがあるんでしょうね。

また一つ視野が開けました。

18日の金曜日より3日間に渡り、梨木香歩さんの「からくりからくさ」を琵琶と共に読むという企画を荻窪のかんげい館でやってきました。人形を軸に展開する物語ですので、今回は人形作家の摩有さんが、物語からインスパイアされた新作の人形2体を出品し、3人のコラボ企画という形でやらせて頂きました。

そしてその少し前、15日には名曲喫茶ヴィオロンにて第91回の琵琶樂人倶楽部をやってきました。今回は俳優の伊藤哲哉さんを迎え、「秘曲で読む方丈記」と題して、樂琵琶を随所に入れながらやったのですが、さすがは伊藤さん！素晴らしい声と表現力で、約1時間、お客さんをぐいぐいと引っ張って、全文を表情豊かに読んでくれました。

最近、「読む」という事はつくづく難しい、と思うようになりました。人によって「朗読」と言ったり、「語り」と言ったり、それぞれに拘りがあるようですが、とにもかくにも舞台が良いというのが一番です。櫛部さん、伊藤さんは、さすがの読み手でした。技術は色々と有るのでしょうが、存在感、舞台でのどっしりとした安定感といったものが素晴しかったです。さすがベテラン！と思わせる姿でした。

古代日本に於いて、文字や言葉を口に出すという事はとても重要な事でした。「言霊」等とも言われますが、口に出し音声として発するという事は、その言葉に命が宿るという事でもあります。こうしてブログに書くことも同じだと思いますが、自ら発するという事の重要性を現代人は忘れているように思えて仕方がありません。私も今までの人生で失言はなはだしく、常々我が愚かさを痛感しておりますが、年を重ねれば重ねる程に、言葉の重さを感じずにはいられませんね。

北鎌倉　「其中窯」にて
薩摩琵琶では「語り」というものがとても重要な要素。しかしこの「語り」が今、とても危うくなっているように思います。何も声が出ているとか、技巧がどうのとかという事ではありません。「語る」という本質が危うい感じがしてならないのです。
語りも言葉も、本来は何処までも自由であるべきもの。自由だからこそ、その人の心がそのまま出てしまい、また怖いものでもあるといえます。最近色々な演奏を聴きに行ったりしているのですが、どうも語りの不自由さばかりが聞こえてくる。なんだか節に閉じ込められているような語りや歌はしっくりこないですね・・・・。

また歌や語りには何よりも「衝動」が必要だと私は思っています。どうしても歌いたくなってしまう、語りたくなってしまうという衝動が無ければ口から出たものに力は無い。声に出す必然性が自分の中に確固たるものとして存在せず、お稽古事の延長でお上手さを披露しているようなものに聞き手を惹きつける力が無いのは当たり前です。近頃しっくり来ないのは、演者にこの衝動が薄くなっているからかもしれないですね～～～。
ボブ・ディランの歌は下手かもしれませんが、彼の口から出た言葉は、多くの人を惹きつけました。それはどうしてもこれを歌いたいという想い、衝動が言葉になり声になり、それがリスナーに伝わったからではないでしょうか。

私は語りや歌は、技術を超えたものが無い限り伝わらないと思っています。それはオペラでもジャズでも、邦楽でも同じ。いくら音程が良くても、練れた声であってもコブシが回っても、語りたいという激しいまでの衝動と、何物にも囚われない自由で開放された精神が聞こえてこない限り、いくら表面的な技術があった所で大したものは伝わらない、それはただのお稽古事だと思っています。

何故「壇ノ浦」や「那須与一」を語るのか？。現代社会に於いて平家を語る意味は、意義は何なのか？・・・・。お稽古事の成果を発表しているのならそれは結構な事ですが、どんなものでもお金を取って聞かせている舞台では、そんなものからは違和感位しか聞こえて来ません、その人が本当に心の底から歌いたいもの、語るべきものを、今琵琶人はやっているのだろうか・・・・？。

若き日　故佐藤重雄さん、ミュージックマジックオーケストラと青山曼荼羅にて

若者が未熟ながらもどんどんと発表の場を得て行くのは素晴らしい事だと思います。しかしそこには創造性がなければ意味が無い。下手とか上手いとかいう問題ではなく、何かを表現しようという強い衝動が無ければ聞いていてもおさらい会以上のものは感じられません。今邦楽界はその衝動が足りないのです。高円寺辺りでライブをやっている若者は、皆強い衝動を持っている。勿論それだけではまだまだなのでしょうが、先ず音楽をやる前提条件として「歌いたい」という衝動に駆られて舞台に立つようでなくては！。「お上手さを披露したい」ではお話にならない。

私は30代の頃、色々な場所で演奏の機会を得て、ＣＤも出して、周りに育てていただきました。多分とても下手だったと思いますが、自分のオリジナル作品のみで、とにかくやれるところまで勝負させてもらった事を本当にありがたいと思っています。今、活動のきっかけを頂いている若者も多い事でしょう。是非、あなたでしか出来ないオリジナルな世界を、失敗してでもやって欲しい。○○流の曲ではなく、あなたの曲をやって欲しい。リスナーはそこに可能性を見出し、魅力を感じるのです。勿論評価してくれるとは限らない。でも永田錦心や鶴田錦史が挑戦したように、あなたの音楽を鳴らして欲しい。お稽古で習った曲を「上手」と褒めるのはあなたの、身内だけなのです。

私は薩摩琵琶＝語りとは思っていないので、考え方も他の奏者とは違うと思いますが、それでも「語り」をやる以上は、しっかりとした哲学を持って、塩高でしか実現しないものを持って舞台に掛けたいです。声に出すという事はそれだけ大変な事なのです。

　　　　第91回琵琶樂人倶楽部「へ曲で読む方丈記」

言葉は「言刃」とも書くと、あるアナウンサーが言っていましたが、その刃は何も他人だけでなく、自分にも時として向くという事を、現代人は全く忘れてしまているようです。刀の使い方を知らなければ危ないのは当然ですが、その刀を奪われた時、もっと危なくなる。そういう怖さを知らない。本当に危うい世の中になりました。

少し前の記事にも書いたのですが、今月は朗読との共演が二つあります。先ずは黒澤映画や蜷川舞台で活躍したベテラン俳優　伊藤哲哉さんとのデュオ。「方丈記」全文を読んで頂きます。1時間ほどかかりますが、なかなかの出来栄なんです！。琵琶の名手でもあった鴨長明は、秘曲を勝手に弾いた事で神職を追われ、都の郊外に草庵を結んで、その暮らしの中で「方丈記」を書き上げました。今回は私がその秘曲を弾き、伊藤さんが読みます。このコンビは年末にも六本木のストライプハウスギャラリーにて公演が決まっています。乞うご期待！！

そしてもう一つは、伊藤さんとはタイプの全く違う朗読をする櫛部妙有さんと、梨木香歩さんの「からくりからくさ」を3日間に渡ってやらせて頂きます。この作品は人形を軸に色々な話が展開して行く物語なので、今回は人形作家の摩有さんがこの作品から発想を得た2体の人形を創り上げ、3人で小さな舞台を創るという大変面白い企画になっています。

「方丈記」も「からくりからくさ」もとにかく味わい深い作品で、読んで行くと様々なものが想起されます。すぐれた作品には、必ずこうした汲めども尽きぬ味わいがありますね。「方丈記」は読むほどに当時の様子や、今に続く日本人の感性を感じ、「からくりからくさ」の方もまた読み込むほどに何層にも重なる人間模様と絡みつくような様々な物語に引き込まれます。「からくりからくさ」は共同生活をする女性達の物語なのですが、人形が大きな軸となって、あらゆる方面に話が繋がって行きます。人形を通じ、其々の先祖の物語から能面師　赤光の作った「竜女」の面、そしてクルド民族のキルムの模様　龍のイメージ・・・・・etc.と様々なものがに唐草のように幾重にもからまりながら繋がって行きます。

鴨長明
古典として残ったものや現代でも優れた作品と言われるものには、あらゆる視点があり、多くの解釈や感想もまた存在します。けっして一方向ではありませんね。人間は個人でも社会でも清濁併せ持ち、一つの価値観では割り切れないものを包括した存在ですので、品行方正なものや勧善懲悪な、視点・感性が一つしかないような作品では、人間そのものを描くことは出来ません。エンタテイメントなら楽しい時間を提供できますが、それは消費されるだけで、味わっていただくような作品とはなりえないのです。

長い時間を語り継がれ、古典となって行く作品は、文学でも音楽でも単なる物語では終わらない、様々な文化や歴史、宗教、哲学と唐草のように入り組んだ関係を持ちながら存在しています。だからこそどの時代の感性と出会っても深い味わいを感じる事が出来るのです。きっと梨木さんの「からくりからくさ」もこれから残って行く作品になるだろうと私は思っています。

私が薩摩琵琶の弾き語りをあまりやらないのは、清濁を併せ持った人間存在を表現するには、現行のやり方では難しいと感じるからです。薩摩琵琶が流行った大正時代なら、また違った存在意義もあったでしょう。しかし時代は移り変わります。グローバルに世界と繋がっている現代社会の中で薩摩琵琶に接していると、大正時代と同じという訳には行かない。
「祇園精舎」のような歌詞そのものに実に深い哲学が感じられる曲があるその一方で、冒険活劇のような曲も少なくないのです。それは大正時代にエンタテイメントとして舞台で受ける音楽に、どんどんと傾いて行き、結果として、深い哲学や味わいよりも、やんやの喝采を浴びるために技芸、演芸の方にどんどんと傾いて行ったのだと思います。そういうものがあっても勿論良いし、その方向でやる人が居ても良いと思います。しかし琵琶を芸術音楽にしたいと願った永田錦心は、どう思っていたでしょうか？。こうした当時の状況に、永田はけっして満足していなかったと私は考えています。

私は薩摩琵琶だろうが樂琵琶だろうが、永田錦心と同じく琵琶楽を芸術音楽として世界に発信して行きたいのです。その場を沸せて楽しませるエンタメ音楽にはしたくない。だから私は弾き語りに於いても、永田錦心が目指し実行したように、独自の形を創り上げたいと思っています。音型、構成、歌詞、弾法すべてに於いてこのままでは次代に響き渡らないと思うのは私だけでしょうか。既に現代社会にもその響きは僅かしかないのが現状です。芸術は時代と共に姿形を変え、感性も変化し続けるパワーがあるからこそ、生き続ける事が出来るのです。薩摩琵琶にはもっともっと深い味わいと魅力がある筈だと、私は確信しています。だからこれからも薩摩琵琶・樂琵琶の新しい形をどんどんと創り、発信して行くつもりです。

からくさのように時代と絡み合い、伸び続け、また次の時代へと、受け渡したいですね。
道は果てしない・・・。

私は演奏会をやる度に、「どんな所で演奏しているんですか」と尋ねられます。まあ琵琶奏者なんてのは世間にそう多くないので、この質問の裏を返すと「いったいどうやって食っているんだい？」という事を問われているんだな、と解釈しています。私がライブから活動を初めて20年近く経ちますが、未だ琵琶奏者という存在が世間に認知されていませんね。

琵琶を弾く人自体は、少し増えてきたように思うのですが、飛び回って舞台に立つなんていう人はなかなか居ないですね。残念です。以前琵琶樂人倶楽部でも紹介した安藤けい一さんや、尼理愛子さんは最近結構活動しているようですので、これからもどんどん活動を広げて行って欲しいと思います。とにかく色々なタイプの奏者があらゆる所に出没するような状況にならないと、琵琶の未来は見えてこないです・・・・。
私自身も全く微力も微力ながら、出来る限り色々な場所で弾こうと思っています。勿論お仕事としてやっていますので、それなりにちゃんとギャラも頂きますが、最近ではライブハウスでの演奏も少しづつ再開し始めました。先日も銀座スウィングという老舗のジャズのお店で演奏してきましたが、たまにああいう所でやるのも刺激があって良いですね。

「2015年の会」にてレクチャーコンサート
そして私の仕事でかなり頻度が高いのがレクチャーなんです。今月も郡山市美術館でお話と演奏をさせていただきます。

平成27年度第2回アート・テーク「異界を語る琵琶の音色」

https://www.city.koriyama.fukushima.jp/bijyutukan/event/event/index.html

人に言わせると私はなかなか話が上手いという事なんですが、どんなでしょうね～～？。まあそのお蔭で日本の歴史や芸能、精神文化の変遷など、平安時代から中世を経て近世近代まで、色々と勉強するきかっけにもなっています。古くから残っているものは、どれも何かしら繋がっている。だからこそ現代まで残っているという事も、やればやるほどに感じます（そういう意味でも、昭和になって出来たような、時間を経ていない流派の曲を安易に「古典」などと言う事には許しがたいものを感じるのです）。文学・歴史と音楽の関係は判りやすい例ですが、最近は古武道と芸能の関わりを強く感じます。古武術の動きと能や日舞の動きは、そのままという位に通じるものがあると思いますし、芸能で言われる所作は、共通している所も多いと思います。
こういう繋がりをしっかりと説明できるようになると、聞いている方もぐんと面白くなるんでしょうね。気合を入れて勉強したいと思います。

今皆さんが聞いている薩摩琵琶は近代のものですが、だからといって近代だけに特化して視線を向けていては、大事なものが見えません。古代から連綿と続く日本音楽、琵琶楽を観て感じて、その上に近代現代を見なくては、琵琶楽の10分の1も見えてこないでしょう。オタク目線はそのまま舞台の姿や演奏に出るものです。そんなようでは聴衆は付いてこないと思うのは私だけでしょうか・・・・？。

先日久しぶりに若手尺八奏者と一緒に仕事をさせてもらいました。舞台の仕事も安定してあるわけではないし、自分の志す音楽と、お仕事でやる音楽とのギャップもあるし、考えるべき所はいっぱいあるようでしたが、それでも舞台で頑張っている姿は格好良いと思います。エールを送りたいですね。彼のような若手を盛り上げるのも私の世代の役目だと思います。

音楽家として生きて行くという事は、極端に言ってしまえば、志と希望に支えられて生きて行くという事です。生活が安定する訳でないし、音楽だけでなく、お金の事やら、権利関係など面倒な仕事もしなくてはプロとしてやっていけません。とにもかくにもモチベーションが落ちたらもう終わりです。勢いがあってもクオリティーが下がったらすぐら見限られるし、逃げや守りの姿勢に入ったら、そういう心はすぐに演奏に出てしまいます。

邦楽といえばすぐにお教室という感じがありますが、是非とも志を持った若者には、お教室より先ず何よりも舞台に立って欲しい。若い頃から常に先生と言われている人はどうしてもズレが出てくる。一度ズレた感覚を身に付けてしまった人が色々なものに挑戦しようと思っても、そのズレた感覚が邪魔になって、結局最後には小さな世界に戻って行かざるを得ない例をよく見かけます。出来たら40代50代までは舞台でどんどん暴れ回って欲しいものです。教室の看板を挙げるのはもっと年が行ってからで充分ではないですか。お稽古事に染まったら、舞台人として終わりです。
最初から教育者を目指すというなら、それも良いと思いますが、そういう人は逆に舞台は諦めた方が良いでしょう。教育者は、演奏家の演奏でなく「先生」の演奏になってしまうからです。音楽家は舞台に立ってナンボ。毎日あちこちの舞台を飛び回っていてはじめて音楽家として認められるのです。お教室の先生はあくまで先生でしかない。舞台で活躍していない人を、世の中では音楽家とは言ってはくれないのです。厳しいもんですよ。

色々なやり方があって良いと思います。しかし音楽を生業として生きてこそ音楽家。若手には是非とも良い質の仕事をして行ってもらいたいですね。